Художники

Альберто Аликата

Альберто, родился в Палермо в 1983 году, окончил Римский Центр Фотографии и Кино. В настоящее время он живет между Сицилией, Римом и Миланом, работая как модный фотограф, так и занимаясь артистической фотографией.

Его работы были опубликованы в журналах по всему миру :Wired, theGuardian, Telegraph, L’Oeil De La Photographie, SkyArte, Internazionale, CBS, Corriere della Sera, American Photo, Photo.fr, il Fotografo, HUF, Elegant, Switch Magazine and Kiplinger.

C 2015 года он работает фотографом наМиланской и Парижской неделе моды. Его работы были выставлены в галереях Италии,Англии, Китая, Г ермании,Словакии,США.

В 2015 MAXXI — Национальный музей XXI века в Риме-выбрал его вместе с другими Юмолоды ми итальянскими фотографами для Мастер- класса с фотографом Мустафа Сэббэг, признанным мастером своего дело во всем мире. Альберто Аликата стал победителем многочисленных международных конкурсов, включая престижную премию Sony World Photography Awards за проект Iconic В в 2016 году.

Один из главных символов современной Западной культуры, кукла Барби, становится главным героем снимков Альберто. В своей серии ICONIC B он интерпретирует самые знаковые снимки модных фотографов 20 века, полностью воссоздавая постановку и атмосферу оригинала, с предельной точностью изготавливая все до мельчайших деталей. Таким образом он вдыхает новую жизнь в классику модной фотографии, придавая актуальность бессмертным снимкам великих мастеров.





Зизи Смайл

Очарование и тяга к пластичности характеризует весь период его обучения. Сначала в Школе Искусств Алжира, а затем в Академии Изящных Искусств, где он добился создания Факультета скульптуры (до этого факультета в Академии не существовало). «Вначале я был единственным студентом, которого обучал польский профессор, затем нас стало четверо, а через несколько лет обучения мы стали остаточно большой и активной творческой группой.

Мы очень много работали, так что я смог изучить технику литья и работы с бронзой. Мне явно чего- то не хватало, но я не понимал чего. Затем я выкрал грант на обучение,- именно так я оказался в Карраре, где впервые познакомился с мрамором».

Мрамор дал ему именно то, чего он искал все эти долгие годы: работа поглотила его це]ликом и полностью. Мрамор позволял ему реализовывать идеи, он переводил его мысли и секреты, воплощая в произведения искусства. «Я научился любить и уважать мрамор, хоть я и боялся работать с ним. Я научился следовать его природе, чтобы получать наилучшие результат в работе с ним. До сих пор я отношусь к мрамору религиозностью, тщательно выбирая его и осторожно высекая фигуры. В процессе работы над скульптурой между мной и мрамором возникает неразрывная связь, которая сохраняется и после завершения работы, дальше и глубже…»





Фабио Маэстрелли

Выпускник государственного института Искусства «Ф. Пальма» города Масса в 1996 году. В 1998 сотрудничает над созданием культурной Ассоциации «Группа Тарла 98» в городе Масса, членом и основателем которой он является. С 1998 года по 2000 год сотрудничает с каррарским художником Надо Дунки в реализации скульптуры (высота 4 м), которая сейчас находится в Лесу Тысячи Поэтов Нери Ле Бан во Франции.

С 1999 по 2001 год сотрудничает с художником и мастером по керамике Марино Колеккиа. В феврале 2004 года получает Диплом Академии Искусств г. Каррара, отделение скульптуры. В 2005 году успешно заканчивает курс по подготовке скульпторов по работе с бронзой, организованный провинцией г. Лукка и коммуны Пьетрасанта.

В 2007 году участвует в создании Культурной Ассоциации «Ле Фалене» в г. Масса, является создателем и активным участником ассоциации. В настоящее время сотрудничает с художественный литейный цех Фондериа Да Прато в г. Пьетрассанта (Лукка). Сотрудничает с различными художниками и ассоциациями, развивая культурные проекты.

Скульптуры в бронзе и в альпаке, их тонкие формы, в воображении художника стали отражением скелета человеческого тела: их абстрактная форма оставляет место для свободной интерпретации их смысла.

Точность и тонкость исполнения работ Фабио — это наследие школы его учителя, известного художника и скульптора Нардов Дунки, который оставил свой след в истории искусства XX века и повлиял на техническое мастерство и эстетическое видение Маэстрелли.





Вальтер Бартолуччи

Вальтер Бартолуччи родился в городе Пьетрасанта. Его художественное образование начинается с посещения Городского Института Искусства, отделение пластичной декорации, а затем Академии Художеств г.Каррара, отделение Скульптуры.

Одновременно с получением академического образования, в летнее время он начинает посещать студию-ателье своего профессора, скульптора Рино Джаннини в г. Пьетрасанта, где получает важные навыки по технике работы с мрамором. После первого опыта работы в различных лабораториях г. Пьетрасанта, в настоящее время Вальтер работает с городском художественном литейном цехе. С недавнего времени он также работает в своей лаборатории, что позволяет наилучшим образом развивать и реализовывать свои творческие идеи.

Основной материал, который он использует в реализации своих работ, — глина, в особенности раку, который позволяет ему воплощать художественную поэтику его скульптур. Именно этот материал наилучшим образом отражает пластичность его работ, позволяя наиболее точно проработать жестикуляцию и оставляет динамичность изображаемых фигур. Керамика, чаще всего покрывается акриловой краской, эмалью и обрабатывается техникой кракле. Скульптуры, реализованные в мраморе, создавались в начале его творческого пути, как и работы из бронзы.





Джакомо Бонацца

Джакомо Бонацца, молодой скульптор, роился в г. Пьетрасанта 21 сентября 1994 года, с самого раннего детства проявляет интерес к рисунку, под воздействием творчества его отца, художника и знатока истории искусства, который начинает обучать сына основам рисунка и живописи. Во время юности Джакомо получает получает возможность обучаться работе по мрамору в лаборатории «Франко Червьетти», после окончания художественного лицея продолжает обучение в Академии Художеств г. Каррара.

Затем начинает работать в различных лабораториях скульптуры в Пьетрасанте и Карраре, с которыми сотрудничает до сих пор.

Работы Джакомо, в основном выполненные в мраморе, реализованы в различных стилях, что позволяет автору наиболее точно отразить свои художественные идеи в абстрактных формах его скульптур. Стиль работ, представленных на выставке в PA.NOVA Gallery, можно описать следующими понятиями: «Эклектизм», «Минимализм» и «Барокко».

Таким образом он имеет возможность объединить в эклектичной манере различные стили, объединенные тонкостью и виртуозностью его техники работы с мрамором.





Роберто Джансанти

Его работа рождается от внутреннего исследования, которое изучает тонкую связь, которая проходит между человеческим существом, музыкой и природой. Это исследование берет начало в изучении мифологии во время подготовки выставки “Живой Миф” в 2005 году; в это же время он переезжает в Трентино, где постоянно находится в контакте с природой, познает, изучает и слушает ее.

Именно в этот период для создания своих скульптур он начинает работать с материалами, которые обозначают и имитируют непосредственное присутствие самой природы в его работах. Эти элементы приобрели основную роль, становясь структурой, основой всего произведения.В Скульптурах Роберто всегда присутствует человеческая фигура, реализованная всегда в миниатюре по отношению ко всей остальной композиции работы: этот контраст показывает силу Природы и ее огромное значение в нашей жизни.

«Я научился слушать природу: тот, кто любит долгие прогулки в горах поймет, что я имею ввиду: нельзя обходиться без того, чтобы слушать звук природы: ветер, ручьи, листья, треск веток. Сила этого звука непреодолимо вошла в мою художественную поэтику, создавая то, что я называю союзом между человеком, музыкой и природой: эти элементы определяют мое творчество на протяжении последних 10 лет, непрерывный диалог между естественным элементом и человеческой фигурой в одном целом, где обе эи стихии неразрывно связаны друг с другом.»

Скульптура Арфа, — проект, реализованный для выставки “M.A.N. мелодия искусство и природа” внутри Ботанического сада г. Лукка. Эта большая арфа представляет архитектурную структуру города, которая удерживает в своих струнах человеческую фигуру, которая словно пытается выбраться, убежать, распутать нитки повседневности, с твердым взглядом, обращенным к горизонту и к растениям сада.





Антон Парфенов

Антон Парфёнов родился в 1985 году на Урале. Детство и юность провел между Украиной и Италией. Позже окончательно переехал в Италию, чтобы работать в fashion индустрии.

По словам автора, художественной деятельностью стал заниматься неожиданно для самого себя: «Это случилось внезапно,

под влиянием яркого мира моды, моих путешествий, знакомств, культур тех стран, в которых я родился и живу теперь. Вдохновение поглотило меня как волна — я стал писать картины, хотя профессионального художественного образования у меня нет»

Новый цикл работ Антона Парфенова «Я всегда верил» («ЛИКБЕЗ») – это серия коллажей, нарезок из глянцевых журналов и черно- белой графики художника.

Четкость линий, безупречная архитектура черно-белого рисунка врезана в мир вырезанных слов, лозунгов, ярких глянцевых картинок, собирающихся в отвратительные безликие образы современности. Журналы становятся не просто техническим средством, но прежде всего, живым существом, голосом, коллективным разумом, затуманенным айфонами, Интернетом и СМИ, которые ловко овладели жизнью людей в современном мире и поглотили его самого.





Габриэле Мости

Габриэле Мости, родившийся в Массе (МS) 9 апреля 1987, окончил курс Академии Искусств Каррары (Масса) под руководством преподавателя Франко М. Франчи, получив в 2015/2016 диплом с отличием.

Он участвовал в нескольких выставках, таких как:

  • Коллективная выставка InFormAzione, Галерея Искусства Badini, Чечина (Ливорно), 2014;

  • Конкурс работ «Наблюдение и Демократия» в Европе, организованный Европейским Университетским Институтом и спонсируемой Академией Искусств Рисунка, на вилле Salviati во Флоренции (FI), 2015 [с Упоминанием и Специальным Призом за Усики работы Etherea (эскиз)];

  • Выиграл XXIII Международных Конкурс Скульптуры «Э. Маннуччи», Арчевии, 2016;
  • Коллективная Связь выставки, галерея Onart, Флоренция (FI), 2018.

Он также принял участие в различных общественных проектах:

  • Antartide, выполненная в мраморе Каррары, включенная в мраморный комплекс в саду на скале Bentivoglio, Баццано (ФИЛИАЛ) 2014;
  • Фауна, в римской Травертине, Civitella d’ Arna, (PG), 2014;
  • Этрусский язык, в мраморе calacatta Gherardesca, Биббона, (ТАМ), 2015.

Беря истоки в мультиматериализме, который был основой Древнегреческой скульптуры, художник в своих работах пытается сделать этот принцип современным и показать актуальный способ его интерпретации: использовать блестящую поверхность металла, уравновесить ее простой деревянной структурой, объединить с железом или сталью, добавив элементы из пластмассы, не ограниченные структурной поддержкой. Союз этих элементов с цементом, но чаще всего с глиной, в поисках органического баланса, дает однородность ̀ нескольким материалам, объединяя их между собой.

Использование вторичных материалов подчеркивает что переквалификацию вопроса: добавляя в свои работы части старых стульев, дверей, окна, и т.д.,художник символизирует последовательную мутацию мутацию промышленного изделия, которому пришел конец в его повседневном, рутинном использовании, к его творческому перевоплощению и перерождению ̀, чтобы стать связующим звеном между работой и зрителем.

Выбор глины, одного из основных материалов во все времена и у всех народов, показывает внутреннюю связь, которая связывает работы художника с историей человечества, начиная с его рассвета вплоть до заключительной части его эволюции.

Объединяя несколько материалов, вдохновляясь работами Нью-Йоркской художницы Луизы Невелсон и понятиями «полного — пустой» от древней китайской живописи, Габриэле Мости создает новые формы, которые, появляясь из ядра на поверхность, развиваются дальше.

У скульптур, созданных художником, есть некоторая незаконченность и сомнительная форма, которая отражает хрупкость жизни в «жидкой» сущности современного мира, цитируя слова Зигмунда Баумана, следуя законам экспрессионизма и, прежде всего, экзистенциального реализма 20 века, с человеком, который является центром коллективного одиночества.





Миа Кастро

Миа Кастро последнее время работает в Италии, делая скульптуры из мрамора и металла. Она жила в разных странах мира, начиная от Боливии, Азии, заканчивая странами Северной и Южной Америки.

Этот жизненный опыт, безусловно, полностью перевернул ее видение и отношение к жизни, искусству, смыслу всего происходящего, но особенно повлиял на ее творческий путь, под влиянием различных скульпторов, работающих по всему миру.

Смесь разных материалов и техник, сочетание камня и металла, — это способ показать свое творчество будущим поколениям в условиях новой реальности. Сегодня, а особенно в будущем мир станет огромным плавильным котлом из разных культур, языков и религий, которые смешаются друг с другом.

Вот почему Миа в своих работах делает фокус на особенности и неповторимость каждого из нас в современном мире, подтверждая , тем не менее, реалии человечества в современном мире. Ее работы- это отражение хрупкости и быстротечности жизни, а также той огромной силы, которая Природа все еще имеет над человеком и его образом жизни: природа становится единственной настоящей силой, которая все еще помогает нам чувствовать и ощущать естественное течение жизни, заставляя сердце биться, а душу чувствовать и сопереживать.





Сильвио Джаннини

Сильвио Джаннини родился в Риме в 1998 году. Его любовь к искусству и творчеству проявилась с раннего детства: его отец, профессиональный художник, сыграл огромную роль в развитии его таланта.

На момент окончания Художественного Лицея Рима, Сильвио попробовал работать в разных техниках, от живописью маслом до графики, от рисунка до фотографии.

Однако со временем он пришел к выводу, что черно-белый рисунок — это лучший способ самовыражения для него как художника.

Все рисунки Сильвио выполнены с помощью графита, угля и мягкой пастели на бумаге.

Все его работы монохромны: в данный момент Сильвио не чувствует потребности в цвете, его намного больше Интересует форма.

На протяжении долгого времени его творчество связано, прежде всего, с портретами, которые являются зеркалом современного общества и отражением природы человека. В этих портретах, хоть и нарисованных с предельной точностью, некоторые элементы словно размыты, как, например, взгляд, рассеянный и скрытый. То же самое происходит в его «искалеченных» портретах, где тело потеряло целостность и показывает на своей поверхности трагическое состояние современного человека, который живет в бесконечной «ночи мира», настолько глубокой, что не позволяет понять полную темноту, в которой он погружен.

Несмотря на то, что Сильвио создает свои работы с обезоруживающим реализмом, который сразу привлекает внимание зрителя,- его интересует не столько обозрение объектов взглядом, но прежде всего, познание их умом. Вот почему для него так важны названия его работ, которые показывают зрителю суть изображения и связь между его разными работами. Сильвио не интересно показать свои личные переживания, но прежде всего, его интересуют темы, которые имеют общечеловеческое значение.

Невероятно скурпулезная и длительная работа над каждой картиной становится своеобразной терапией для самого художника. В продолжении зрительной иллюзии такие темы, как человек и его природа, отношение с массой и смертью, являются центральными в творчестве Сильвио.

В настоящее время Сильвио изучает Графический Дизайн в Римской Академии Искусств.





Девид Бебиано

Девид Бебиано, Нью-Йоркский скульптор, человек мира, космополит, открытый всему новому на 360 градусов.

«Я родился в 1973 году, но к искусству не имел никакого отношения вплоть до своих 33 лет.

Мой интерес к миру искусства возник в результате полного краха: оставив прежнюю работу, с пачкой сигарет и бутылкой текилы, — в тот день я научился варить металл , и с того момента я никогда не прекращал делать его. И теперь, находясь на другом полушарии, 11 лет спустя, я все еще здесь с тем же энтузиазмом, как в первый день».

В своих абстрактно выразительных работах Дэвид использует древний подход к созданию бронзовой скульптуры, заключающийся в ацетилено-кислородной газовой сварки и литье по выплавляемым моделям. Каждая скульптура сделана полностью вручную, с использованием традиционных методов кузнечества.

Естественно, особый артистический стиль Дэвида, возникший под влиянием его жизненного опыта, -это комбинация различных культур, идеологий, эр, стилей и направлений искусства. Возможность работать с более широкой перспективой, а не только придерживаться канонов чисто абстрактного стиля, который однажды защитил Дэвид, кажется логическим результатом его образа жизни и философии. «Ум управляет телом — в нас заложено слишком много всего, чтобы нужно изучить, исследовать и воссоздать. Для динамического ума мысль о следовании одной единственной идеологии — абсолютно смешно; для меня это — определение пытки».

Борясь за успех Нью-Йорке, Девид никогда не забывал о Европе. Под влиянием историй о Париже в 1920-х, Монмартре, кубизме, итальянском футуризме, русском Авангарде, конструктивизме и супрематизме, в течение прошлых лет он много путешествовал, выставляя его работы в различных галереях и фондах по всей Европе. В последнее время Девид задумался о переезде в Италию, чтобы продолжить его артистическое исследование в реалиях открытой Европы.





RELIQUIART

RELIQUIART

Марко Руббера и Энрико Манчини, студенты Академии художеств Брера, — молодой творческий дуэт, который работает в Милане.

Этот художественный проект в основном фокусируется на современной скульптуре и инсталляции. Каждое произведение сопровождается текстом Алессии Гандини, молодой писательницы, которая облекает работы художников в слова. В основном, пара реализует свои скульптуры в резине и ткани: именно взаимодействие этих двух материалов наиболее привлекает художников в данный момент.

Работы Марко и Энрико — плод художественного исследования, которое пытается исследовать экзистенциальные сферы идентичности, временности и духовности. В поисках универсального объяснения, интерпретация каждого произведения оставляет свободу для размышления, что и почему прячется под тонкой материей. Следуя канонам классической скульптуры, статуи являются результатом детального анализа эстетики человеческого тела, драпировки, прозрачности, света, но тем не менее, дуэт не отказывается от инноваций, используя современную технику создания работ.

Вуаль, тонкая материя — это именно то, что мы есть, чем были и чем будем для других, становясь загруженным воспоминанием, Реликвией.